Conscious Collective

Tsibi Geva

Tsibi Geva (Kibbutz Ein Shemer, Israele, 1951) vive e lavora tra Tel Aviv e New York. Di origine ebraica ashkenazita e figlio di uno dei maggiori esponenti del Bauhaus israeliano, è tra gli artisti interdisciplinari più noti del panorama contemporaneo nazionale. Interprete dal forte tratto espressionista, dalla fine degli anni settanta presenta una sua personale riflessione sulla cultura, la filosofia e la mistica, ponendo al centro del suo lavoro l’esplorazione della propria identità e quella del suo paese. I suoi lavori affrontano allo stesso tempo la situazione politica in Israele, le conseguenze psicologiche del conflitto in atto, e l’estetica che ne deriva.

Where I Come From è un dipinto modulare composto da tele di diverse dimensioni presentate come un’ unità collettiva e la cui organizzazione e’ stata compiuta in maniera olistica. Ogni tela ha quindi una sua autonomia, ma unite creano connessioni e disconnessioni: attraverso l’astrazione e motivi ripetuti, le opere sono metafora di quegli incontri casuali e di quelle decisioni che hanno fatto sì che l’ artista – così come molti altri- si sia ritrovato a vivere in Israele.

Il lavoro riassume motivi ricorrenti nelle opere di Geva: il modello ripetitivo della Kefiah, le mattonelle Balatot, le recinzioni – tipiche della realtà di vita in un ambiente socio-politicamente complesso- e il tema del confine che caratterizza una vita in una situazione priva di una chiara definizione territoriale. Questi elementi si sviluppano rizomaticamente in direzioni e contesti diversi e inaspettati con linee che, tra continuità e disconnessioni, costituiscono una una road map a volte senza fine.

La proposta di Geva mostra qui come l’esperienza umana sia complessa, evocativa di gentilezza come di conflitto, e sempre destinata a essere accolta alle condizioni da essa stessa dettate.

foto: Tsibi Geva, Where I Come From, 2019. Photo Credit: Elad Sarig. Courtesy: l’artista

Maria Saleh Mahameed

Maria Saleh Mahameed (Umm el-Fahem, Israele, 1990) vive e lavora a Ein Mahel, Israele. Nata da madre cristiana ucraina e padre palestinese, e cresciuta nella più popolata città araba d’Israele, l’artista incarna questa complessa identità in termini di nazionalità e religione. I suoi lavori, caratterizzati da uno stile altamente personale, ricreano infatti narrazioni intime ma al tempo stesso politiche, riguardanti la società palestinese.  Il carbone nero – materiale proprio di Umm el-Fahem (“Madre del carbone”) – è dominante nel lavoro di Saleh Mahameed. Questa tecnica restituisce una espressività intima e viscerale, restituendo al visitatore il contatto diretto delle dita dell’artista sulla superficie della tela.

L’ opera in mostra Ludmilla descrive un paesaggio immaginario in cui si coniugano riferimenti alle città di Umm el Fahem e Kiev, città natale della madre dell’ artista da cui l’opera trae il nome. Questo è il primo capitolo di una serie dedicata alla storia dei genitori dell’ artista e qui sono rappresentate le memorie della madre, giovane donna Ucraina trasferitasi per amore in una società caratterizzata da una forte identità culturale palestinese. Come la memoria stessa, la narrazione in mostra non è una rivisitazione lineare, ma una raccolta fluida di immagini in cui  paesaggi sovietici si fondono con panorami mediorientali, con motivi che vanno dagli ulivi palestinesi a Misha, l’orsetto mascotte delle Olimpiadi di Mosca del 1980.

Ludmila è un’opera sulla maternità e sulle relazioni intergenerazionali, ambientata in diversi luoghi del mondo e segnata dalle identità e delle persone vicine all’ artista.

foto: Maria Saleh Mahameed, “Ludmilla”, 2022. Courtesy: l’artista

Noa Yekutieli

Noa Yekutieli (Los Angeles, California, USA,1989) è un’artista multidisciplinare autodidatta nata da madre giapponese e padre israeliano, che lavora tra Tel Aviv, Israele e Los Angeles. La pratica interdisciplinare di Yekutieli, che combina elementi scultorei, objets trouvés e l’arte del taglio della carta giapponese, cerca di conciliare le sue identità spesso contrastanti di donna nippo-israelo-americana prendendo in esame le tensioni tra esperienze umane e prospettive multiculturali. Nel suo lavoro, Yekutieli combina tra loro diversi approcci alla raffigurazione dello spazio obbligando il visitatore ad osservare le sue opere da prospettive diverse e inducendolo a mettere costantemente in discussione la lettura dell’opera stessa.

L’ installazione in mostra Where We Stand è composta da finestre di carta ritagliata che incorniciano un amalgama di immagini eterogenee che evocano ora un paesaggio naturale, ora un paesaggio di distruzione e conflitto. Questo, associato all’illusione ottica creata dalle finestre, induce a mettere costantemente in discussione la lettura dell’opera e le relazioni prospettiche tra gli elementi che la compongono. La distorsione intende far riflettere i visitatori su come lo spazio che li circonda possa modificare la percezione di sé e della società, ed al tempo stesso invita a esaminare le visioni socio-politiche soggettive, mostrando come la percezione possa essere molto più flessibile di quanto non si creda.

L’installazione s’interroga sulla propensione dell’uomo ad aprire e chiudere selettivamente gli occhi sulla realtà, ed a mascherare o negare la verità per poter sopravvivere.

foto: Noa Yekutieli, Behind the bent branches (detail), 2021. Manual paper-cutting. Photo credit: Studio Noa Yekutieli